Историк » Культура и Искусство » Известные картины - ТОП 25
Культура

Известные картины - ТОП 25

Известные картины - ТОП 25
Первые наскальные рисунки, выполненные рукой человека, относятся к эпохе палеолита, так что история художественного искусства насчитывает десятки тысяч лет. И пусть древнейшие сохранившиеся художественные работы намного моложе. Выбрать ТОП 25 самых известных картин - практически невыполнимая задача. Начиная от эпохи Возрождения, узнать художника по картине с каждым столетием становилось все тяжелее. Каждая эпоха изобилует гениальными мастерами, чьи коллекции наполнены нетленными шедеврами. Любому культурному образованному человеку наверняка знакомы экспонаты следующей подборки бессмертных шедевров, которую мы начинаем с величайшего произведения Ренессанса кисти, возможно, самого знаменитого художника в истории.

25. Тайная вечеря - Леонардо да Винчи, 1495-1498


Тайная вечеря - Леонардо да Винчи, 1495-1498«Тайная вечеря».
Автор: Леонардо да ВинчиДата создания: 1495-1498 гг.Где находится: стена монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия.Стиль: Возрождения.
Картина-эксперимент, картина-загадка, картина-легенда и предмет ряда конспирологических теорий, касающихся личности ключевого персонажа фрески — Иисуса Христа. Дэн Браун и нашумевший бестселлер “The Da Vinci Code” славно порезвились на теме Христа и апостолов, за что писателю следует сказать спасибо, ведь ушлый американец напомнил планете о шедевральной фреске. Которую специалисты отказываются называть фреской, потому что Леонардо использовал экспериментальную технику, позволявшую долго, методично и детально наносить краски на штукатурку. Новаторская техника прославила имя автора, но сослужила плохую службу не-фреске, которая по классическим лекалам вышла бы крепче, надежнее и долговечнее. А так “Тайная вечеря”, нарисованная на стене монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, разрушилась практически до основания и без двадцатилетней реставрации наверняка бы давно исчезла и существовала бы только в копиях.



24. Впечатление. Восходящее солнце – Клод Моне, 1872


Впечатление. Восходящее солнце – Клод Моне, 1872«Впечатление. Восходящее солнце».
Автор: Клод МонеДата создания: 1872 г.Где находится: Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция.Стиль: импрессионизм.
Картина-символ, положившая начало целому направлению живописи. Оригинальное название творения Моне – “Impression, soleil levant” и, когда “Впечатление” впервые показали широкой аудитории на выставке в 1874-м появился стиль импрессионизм, захвативший Францию и остальную Европу в конце XIX ст. Моне рука об руку с другими ниспровергателями академической живописи Мане, Дега, Ренуаром, Писсарро, Гогеном стремился к революционным переменам и агрессивным нападкам на традиционные ценности, за что журналист и публицист Леруа в своей рецензии на выставку окрестил компанию молодых художников “отбросами”, “барахольщиками” и “впечатленцами” (от названия “мазни” лидера движения), не отдавая отчета, что нечаянно объявил на весь свет о рождении невиданного авангардного течения. Ныне бездарного писаку помнят только за этот термин, который сам автор стремился выдать в качестве меткого оскорбления, а “Впечатление” радует глаз посетителей парижского музея Мармоттан-Моне.


23. Менины - Диего Веласкес, 1656


Менины - Диего Веласкес, 1656«Менины» или «Семья Филиппа IV».
Автор: Диего ВеласкесДата создания: 1656 г.Где находится: музей Прадо, Мадрид, Испания.Стиль: Барокко.
Одна из наиболее значимых и тщательно изученных картин в истории, которая вызывает восторг у простой публики и лучших профессионалов. К примеру, Пикассо и Дали были без ума от “Менин”, считая Веласкеса недостижимой вершиной искусства. А вот сам испанский живописец тяготился положением ремесленника, к которым в Испании семнадцатого века традиционно относили мастеров кисти и краски, сумел возвыситься до придворного статуса и даже стал близким другом короля Филиппа IV. Собственно, в истории Филипп остался не по причине великих государственных свершений, а благодаря шедевральным “Менинам”, где королевская чета изображена в зеркале. В центре композиции юная инфанта Маргарита Тереза, которую развлекают собака, придворные карлики-шуты и фрейлины, давшие шедевру название – “Las meninas” (с исп. фрейлина). Себя Диего также изобразил, что дает основания говорить, что в реальности гениальный художник писал автопортрет, а монаршие особы позировали придворному портретисту для отвода глаз. В настоящее время "Las Meninas" находятся в мадридском музее Прадо.



22. Подсолнухи – Винсент Ван Гог, 1888


Подсолнухи – Винсент Ван Гог, 1888«Подсолнухи».
Автор: Винсент Ван ГогДата создания: 1888 г.Где находится: Национальная галерея в Лондоне, Великобритания.Стиль: Постимпрессионизм.
Голландец бредил подсолнухами, посвятив солнечному растению целых два цикла произведений (двенадцать работ), после чего само слово “подсолнухи” стало ассоциироваться с живописью Ван Гога. Иными словами подсолнух-тематика – настоящая визитная карточка Ван Гога, который был маниакально помешан на солнечных цветах, хотя лично никогда не называл свои работы “подсолнухами”. В Париже Винсент рисовал лежащие цветы, спустя год – в вазе, причем все вариации отличаются лишь незначительными деталями. При жизни и после смерти каждая выставка голландца не обходится без “Tournesols”, которых автор в письме брату Тео безапелляционно называл : Подсолнухи принадлежат только мне. “Подсолнухи”-1888 принадлежат Лондонской национальной галерее.


21. Рождение Венеры – Сандро Ботичелли, 1485


Рождение Венеры – Сандро Ботичелли, 1485«Рождение Венеры».
Автор: Сандро БотичеллиДата создания: 1485 г.Где находится: Галерея Уффици, Флоренция, Италия.Стиль: раннее Возрождение.
Сюжет шедевра : богиня Венера плывет по волнам к берегу в лодке из раковины морского гребешка. Новорожденная богиня обнажена, но приняла целомудренную позу, прикрывая грудь и лоно в классическом античном стиле.
Великое творение эпохи Возрождения – заслуга именитого рода итальянских меценатов и политических деятелей Медичи, покровительствовавших искусствам. Ботичелли написал “Рождение Венеры” для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, на чьей вилле Кастелло картина прожила долгие годы до переезда в галерею Уфицци, где хранится по сей день.


20. Крик – Эдвард Мунк, 1893


Крик – Эдвард Мунк, 1893«Крик».
Автор: Эдвард МункДата создания: 1893 г.Где находится: Национальная галерея, Осло, Норвегия.Стиль: Экспрессионизм.
Весной 2012-го работа Мунка из серии “Skrik” была продана за $119 922 500 и оказалась лидером списка самых дорогих картин мира. Сейчас этот титул принадлежит “Спасителю мира”, приписываемому ДаВинчи. Есть разные версии, как норвежский экспрессионист пришел к сюжету с человеческой фигурой с головой в виде некоего эмбриона. Среди наиболее суровых версия о скотобойне, которая стояла возле сумасшедшего дома, где проходила лечение сестра Мунка. Когда экспрессионист посещал сестру, то сотрясался от предсмертных криков животных и безумных воплей душевнобольных. Возможно, источник вдохновения был не таким безжалостным, но в любом случае художнику-экспрессионисту удалось найти невероятно жуткий и точный образ, выражающий страх и ужас человека от столкновения с неласковым окружающим миром.



19. Девочка на шаре – Пабло Пикассо, 1905


Девочка на шаре – Пабло Пикассо, 1905«Девочка на шаре».
Автор: Пабло ПикассоДата создания: 1905 г.Где находится: Пушкинский музей, Москва, Россия.Стиль: экспрессионизм, символизм.
В начале 20-го века в творческой биографии Пикассо грустный и меланхоличный период голубого цвета сменился бодрым и жизнерадостным розовым, одной из премьерных и в итоге ключевых иллюстраций оказалась картина “Девочка на шаре”, максимально оптимистическое высказывание, на которое был способен нищий артист.
В 1913-м российский промышленник и меценат Иван Морозов купил полотно и привез в Москву, где после революции “Девочку” национализировали и начали выставлять сначала в Государственном музее, а позже в Пушкинском. Так отечественные любители живописи познакомились с движением кубизма, отчетливые черты которого проступают в каждом элементе холста. Пабло не придумал кубизм в одиночку, но по праву считается отцом-основателем движения и ключевой персоной, кто различил в геометрических фигурах громадный художественный потенциал.


18. Постоянство памяти – Сальвадор Дали, 1931


Постоянство памяти – Сальвадор Дали, 1931«Постоянство памяти».
Автор: Сальвадор ДалиДата создания: 1931 г.Где находится: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США.Стиль: Сюрреализм.
Также известная как “Мягкие часы” сюрреалити-картина появилась в один из самых трудных моментов в биографии буйного испанского кудесника. Молодой человек связал жизнь с замужней русской иммигранткой Еленой Дьяконовой, чем совершенно испортил отношения с отцом доном Сальвадором-старшим, выставившим наследника из дома и лишившим всяческой материальной поддержки. В будущем Сальвадор-младший превратится в мегауспешного художника-миллионера, но в начале 1930-х юноша был беден и нуждался в отцовских деньгах. Однако недаром старшая по возрасту и жизненному опыту Гала разглядела в худом парне из Жироны гигантский талант и нереальную перспективу. Скоро Сальвадор-младший по собственному смелому изречению станет “человеком, которому суждено спасти искусство”, а написанный посреди постоянной нужды и недоедания сюр “Постоянство памяти” получит признание критиков, которые назовут “Мягкие часы” главным символом сюрреализма и лучшей работой Сальвадора Дали. Выставлена в Музее современного искусства, город Нью-Йорк.


17. Сикстинская Мадонна – Рафаэль Санти, 1513-1514


Сикстинская Мадонна – Рафаэль Санти, 1513-1514«Сикстинская мадонна».
Автор: Рафаэль СантиДата создания: 1513-1514 гг.Где находится: Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.Стиль: Высокое Возрождение.
При жизни Рафаэля “Madonna Sistina” не считалась лучшей работой мастера, но с течением времени холст, вывезенный из монастыря Святого Сикста в Дрезден, превратился в ключевое творение величайшего представителя художественной династии Санти. Высокий Ренессанс – время, когда люди перестали чувствовать тотальный страх перед небесами и поставили себя в центр мироздания. Именно поэтому Рафаэль помещал своих друзей, приятелей, родных и патронов на стены, потолки, доски и холсты, разыгрывая библейские и античные сюжеты. Для очередной Мадонны, которую Рафаэль решил посвятить любимому городу Пьяченца и главному городскому святому Сиксту, автор попросил поучаствовать не только Папу Римского Юлия II с племянницей Джулией Орсини, но также привлек свою любимую женщину Маргериту Люти в качестве модели Богородицы.
Около десяти лет “ Madonna Sistina ” провела в СССР как военный трофей, пока новый генеральный секретарь Никита Хрущев не совершил жест доброй воли и принял решение вернуть “Мадонну” дрезденской Галерее старых мастеров.


16. Положение во гроб – Микеланджело Караваджо, 1603


Положение во гроб – Микеланджело Караваджо, 1603«Положение во гроб».
Автор:Микеланджело КараваджоДата создания: 1603 г.Где находится: Пинакотека, Ватикан.Стиль: Барокко.
Сегодняшняя эпоха западной политкорректности плохо подошла бы творческому стилю Караваджо, который угрожал своим моделям, выкапывал на кладбище трупы и даже однажды убил человека. “Положение во гроб” – пример такого подхода к рисованию. Караваджо никого здесь не убивал, но грозил живым участникам действа всяческими карами, если они откажутся держать на руках выкопанный из свежей могилы труп. За этот творческий метод современники называли Микеланджело Меризи да Караваджо гениальным чудовищем, что реформатора европейской живописи вполне устраивало и придавало уверенности шлифовать стиль барокко. Несмотря на крайний радикализм творчества, церковники нередко заказывали мастеру барокко около библейские сюжеты и полотно “Положение во гроб” предназначалось для римской церкви Санта-Мария-ин-Валичелла, которая в итоге отказалась от скандальной барокко-картины, что годы позже оказалась в коллекции Пинокотеки Ватикана.



15. Черный квадрат - Казимир Малевич, 1915


Черный квадрат - Казимир Малевич, 1915«Черный квадрат».
Автор:Казимир Малевич Дата создания: 1915 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Супрематизм.
"Черный супрематический квадрат" - так называется концептуальный труд российского авангардиста, которого одни критики называют мошенником и шарлатаном, а другие гениальным артистом, идеально точно выразившим радикальный бунт авангардизма. Авангардисты устали осознавать собственную вторичность и бесконечно воспроизводить фотоаппарат и тогда лидер российского авангарда Малевич придумал картину-символ, картину-концепт, в котором умещается бесконечное количество идей и смыслов. Впрочем художник-авангардист продолжил поиски идеальной супрематической формы, нарисовав "Красный квадрат", "Черный круг", "Белый квадрат", "Черный крест" и другие вариации темы. Кстати говоря, только в 2015-м с помощью рентгена специалисты узнали, что под слоем краски Малевич оставил подпись "Битва негров в пещере глубокой ночью" (цитата из одноименного труда коллеги Альфонсо Алле). Так выяснилось, что все это время "Черный квадрат" висел в Третьяковской галерее вверх ногами. Теперь всё исправили.


14. Возвращение блудного сына – Рембрандт Харменс ван Рейн, 1669


Возвращение блудного сына – Рембрандт Харменс ван Рейн, 1669«Возвращение блудного сына».
Автор: Рембрандт Харменс ван РейнДата создания: 1669 г.Где находится: Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.Стиль: Барокко.
В основе шедевра живописи новозаветная притча Христа о блудном сыне, божьем милосердии и прощении грешника, который проникся желанием покаяться. Персонаж отца в притче символизирует Господа Бога, принимающего к себе каждого грешного, желающего очистить душу. Но Рембрандт переосмыслил новозаветную историю и добавил в тему психологизма и элементы сложных внутренних движений человеческой души.
Религиозная тематика не была близка ван Рейну, который обращался к Библии считанные разы, но если уж брался за дело, то получался подлинный шедевр. Огромная удача и прозорливость Екатерины Великой позволили питерскому Эрмитажу стать владельцем одной из самых известных картин в мире. Случилось это в 1766-м, когда князь Дмитрий Голицын по поручению императрицы купил картину-притчу у герцога д'Ансезена, который в свою очередь получил "Возвращение блудного сына" в наследство от предков жены, имевших отношение к дипломатической миссии в Голландии.


13. Портрет А.С.Пушкина - Орест Кипренский, 1827


Портрет А.С.Пушкина - Орест Кипренский, 1827«Портрет А.С.Пушкина».
Автор: Орест КипренскийДата создания: 1827 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Романтизм.
Пушкин - наше всё уже двести лет, поэтому мы не могли не включить канонический портрет Александра Сергеевича в коллекцию лучших картин в истории. Антон Дельвиг, близкий товарищ главного российского поэта, заказал Кипренскому портрет, а самому Пушкину так сильно понравился результат, что сразу же родились следующие строки :
«Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит,
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид».

Портрет несколько поколений хранился в семье Пушкиных, пока в 1916-м Третьяковская галерея не выкупила пушкинский лик у внуков поэта.

Нравится сайт? Поставь нам «Нравится» на кнопке ниже в Facebook!


12. №5 – Джексон Поллок, 1948


Номер 5 (№5) – Джексон Поллок, 1948«№5».
Автор: Джексон ПоллокДата создания: 1948 г.Где находится: Частная коллекция, Нью-Йорк, США.Стиль: Абстрактный экспрессионизм..
Когда на выставке в галерее Бетти Парсонс филиппинский специалист по произведениям искусства заплатил за фиброкартон с разбрызганными струями и каплями красок полторы тысячи долларов, приятель филиппинца подтрунивал, посмеивался и в общих чертах говорил следующее "Как можно за это платить деньги".
В начале 2000-х этюд "№5" Поллока был продан за 140 миллионов и вряд ли есть сомнения, что филиппинский торговец отлично разбирался в американском абстрактном экспрессионизме и вовремя вычислил главного представителя движения. К слову, после продажи фиброкартон был поврежден и возвращен галерее, после чего автор доработал полотно и отправил "№5" покупателю, а тот пришел в абсолютный восторг, заявив, что завладел сразу двумя замечательными рисунками по цене одного.
Сейчас главное творение Поллока находится в частной коллекции нью-йоркского ценителя искусств.


11. Свобода ведущая народ - Эжен Делакруа, 1830


Свобода ведущая народ - Эжен Делакруа, 1830«Свобода ведущая народ».
Автор: Эжен ДелакруаДата создания: 1830 г.Где находится: Лувр, Париж, Франция.Стиль: Романтизм.
Делакруа написал революционное творение на фоне июльских событий 1830-го и реставрации Бурбонов, хотя в уме простого человека “Свобода, ведущая народ” прочно ассоциируется с Великой французской революцией и Взятием Бастилии.
В центре композиции фигура женщины Марианны, ставшей символом французской республики и физическим воплощением прославленного девиза “Свобода. Равенство. Братство”. Делакруа, впитавший дух эпохи Просвещения и Романтизма, соединил в фигуре Марианны красоту античной богини и бесстрашие обычной женщины из народа. За Марианной следуют мальчик (подрастающее поколение), буржуа и рабочий, шагающие единым фронтом против врагов революции и свободы.
Художественный стяг революции пользовался нешуточной популярностью и объехал весь земной шар, пока не нашел новый дом в Лувре.


10. Ночной дозор – Рембрандт ван Рейн, 1642


Ночной дозор – Рембрандт ван Рейн, 1642«Ночной дозор».
Автор: Рембрандт ван РейнДата создания: 1642 г.Где находится: Государственный музей, Амстердам, Нидерланды.Стиль: Барокко.
Свежая новость про самую известную картину Рембрандта : с помощью ИИ-технологий ученые сумели восстановить три фигуры, которые в свое время пришлось отрезать, потому что “Ночной дозор” не помещался на выделенном месте стены Амстердамской ратуши. Полное название группового портрета “Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга»” и художник написал полотно по заказу двух главных участников мушкетерского отряда, получив в 1642-м солидный гонорар 1600 гульденов. Рисование портрета цеховой профессиональной группы лиц – стандартная процедура Голландии Золотого века, но Рембрандт пошел гораздо дальше и глубже, насытив простой сюжет богатой символикой, которую даже опытные специалисты не в силах полностью расшифровать поныне. Так на рисунке появились различные женские фигуры, не имевшие никакого отношения к отряду Кока, однако наделенные важным символизмом. К примеру, желтый цвет платья героини означает победу.
Как сказано выше, у шедевра есть длинное труднопереносимое авторское название, а “Ночным дозором” портрет назвали после обнаружения в середине девятнадцатого столетия посреди городской ратуши Амстердама, где холст покрылся толстым слоем копоти. Так родилось название “Ночной дозор”, хотя действие происходит при свете дня и, как подсчитали специалисты, около двух часов пополудни.



9. Страшный суд – Иероним Босх, 1504


Страшный суд – Иероним Босх, 1504«Страшный суд».
Автор: Иероним БосхДата создания: 1504 г.Где находится: Академия изобразительных искусств, Вена, Австрия.Стиль: Возрождение.
Крупнейший труд легендарного художника, создавшего галерею человеческих характеров, добродетелей, грехов и пороков, что устрашают даже обитателей 21 века, не говоря о религиозных современников Босха, которые смотрели на жуткие фантазии голландца и принимали на веру каждую деталь триптиха.
Три составные части триптиха называются “Страшный суд” (центр), “Рай” (левая створка), “Ад” (правая) и в целом представляют скептический взгляд автора на будущее человечества, лишь избранные представители которого оказываются в райских кущах. Основная часть отправится в тартарары или уже находится в пекле, где грешников предают адским мукам. Босх чрезвычайно изобретателен в придумывании мук, глядя на которые нормальный человек обязательно испугается и попытается исправиться, стать лучше и устремиться к добру.


8. Бурлаки на Волге – Илья Репин, 1870-1873


Бурлаки на Волге – Илья Репин, 1870-1873«Бурлаки на Волге».
Автор: Илья РепинДата создания: 1870-1873 г.Где находится: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.Стиль: Реализм.
Бурлаки – это люди, перетягивавшие лодки и корабли против речного течения. Это был реально адский труд, который теперь можно наблюдать в коллекции Русского музея Санкт-Петербурга. К работе бурлаков приглядывались Верещагин, Саврасов, Феликс Выгживальский, но, разумеется, глубочайший след в русской культуре оставил именно Репин своей многомесячной работой “Бурлаки на Волге”, которую уроженец украинского Чугуева наблюдал и создавал во время речного путешествия от Твери до Саратова, в которое Илья Ефимович отправился вместе с братом и друзьями. Молодой выпускник Академии художеств был стеснен в средствах и ехал за счет спонсоров, но бурлацкой бедноты рисовальщик в жизни ещё не встречал и попытался передать на холсте всю безнадегу и тоску крестьянина или городского рабочего, вынужденного отправиться на реку бурлачить.


7. Похищение дочерей Левкиппа – Питер Рубенс, 1617-1618


Похищение дочерей Левкиппа – Питер Рубенс, 1617-1618«Похищение дочерей Левкиппа».
Автор: Питер РубенсДата создания: 1617-1618 г.Где находится: Старая пинакотека, Мюнхен, Германия.Стиль: Барокко.
Женщины Рубенса – образ, прочно закрепившийся в художественной культуре и означающий тучных, пышных, толстых дам, которых нидерландский живописец и дипломат считал идеалом красоты. Правда, существует и другое мнение, согласно которому толстые женщины Рубенса – это гротескный образ, которым голландец обличал изъяны и пороки современного общества. К слову, современный социум политкорректности и толерантности вряд ли оценил бы по достоинству представленный сюжет похищения сильными белыми мужчинами двух беспомощных полуобнаженных женщин, но у классики иные стандарты и пока что никто не собирается сжигать полотна Рубенса и валить памятники славному голландцу.
Тема “Похищение дочерей Левкиппа” взята из древнегреческого мифа о братьях Диоскурах, полубожественных сыновьях Зевса и спартанской царицы Леды. Братья совершили немало подвигов – спасали сестру, путешествовали с аргонавтами, охотились на каледонского вепря, а после смерти превратились в созвездие Близнецов. Но есть в мифической биографии Диоскуров эпизод совершенно негероического характера. После ссоры со своими родственниками из клана Афаретидов братья похитили невест противников и женились на украденных девушках. Первую часть бесславного приключения можно посмотреть в галерее мюнхенской Старой пинакотеки.


6. Маха одетая – Франсиско Гойя, 1800-1805


Маха одетая – Франсиско Гойя, 1800-1805«Маха одетая».
Автор: Франсиско ГойяДата создания: 1800-1805 г.Где находится: Музей Прадо, Мадрид, Испания.Стиль: Романтизм.
Махами в Испании XVIII—XIX ст. называли простолюдинок веселого нрава, соблазнительной внешности, игривого поведения. Хотя моделью ”Махи одетой” (как и обнаженной копии) выступила дама из высшего общества. Ранее искусствоведы считали моделью 13-ю герцогиню Альбу Марию Каэтану де Сильва, хотя впоследствии большинство специалистов изменили мнение в пользу Пепиты Тудо, любовницы и жены Мануэля Годоя, видного государственного деятеля, который являлся заказчиком обоих полотен. Премьер-министр любил искусство, покровительствовал артистам и собрал солидную коллекцию произведений. Когда Гойя закончил парный проект, заказчик повесил разместил картины друг за другом, чтобы в нужный момент заменить одетую Маху раздетой, приведя гостей в дикий восторг. С 1901-го восторгаются посетители мадридского Прадо, которому оба полотна передала инквизиция, ранее конфисковавшая произведения Гойи у опального главы кабинета министров.



5. Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года – Илья Репин, 1885


Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года – Илья Репин, 1885«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года».
Автор: Илья РепинДата создания: 1885 г.Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.Стиль: Реализм.
"Иван Грозный убивает своего сына" - под таким названием знают этот прославленный труд Репина, который очень эмоционально и страшно передал позорный эпизод русской истории. Правда, некоторые историки утверждают, что убийство Грозным собственного наследника является мифом и в реальности царевич скончался от болезни. Страшная правда это или зловещая легенда, но художественное произведение удалось, хотя стоило автору немалых нервных потрясений.
Занимательный факт : ключевая звезда Третьяковки стала жертвой покушения, когда в 1913-м на полотно бросился безумец с ножом и криками "Довольно крови!". К счастью, для спасения великого труда даже не понадобилась помощь реставраторов - сам Репин быстро приехал к месту преступления и исправил повреждения.


4. Обнажённая, сидящая на диване – Амедео Модильяни, 1917


Обнажённая, сидящая на диване – Амедео Модильяни, 1917«Обнажённая, сидящая на диване».
Автор: Амедео МодильяниДата создания: 1917 г.Где находится: Частная коллекция.Стиль: Экспрессионизм.
Живописец редкостного таланта и трагической судьбы Амедео Модильяни запомнился историкам ужасными обстоятельствами смерти, склонностью к экспрессионизму в творчестве и скандальной коллекцией ню-картин. Искусствоведы называют Модильяни певцом красоты женского тела, хотя современники итальянца срывали выставки, травили Амедео полицией и прочими властными структурами, для которых ню-картина равнялась позору, стыду и сраму. Обнаженная натура кисти Модильяни приближались к настоящим портретам, чем сильно отличались от “обнаженки” абстракционистов, на чьи “голые” произведения власти смотрели сквозь пальцы. Бедняге Амедео повезло меньше и даже подлинный шедевр “Обнаженная, сидящая на диване”, исполненная для собственной выставки, привела к очередному скандалу и финансовым потерям, хотя даже в 1917-м были специалисты, утверждавшие, что мастер превзошел самого себя. В 2000-х об этом знает каждый и скандальный ню-портрет уходит с молотка “Сотбис” за рекордные $69 млн. в частную коллекцию.


3. Алжирские женщины – Пабло Пикассо, 1954-1955


Алжирские женщины – Пабло Пикассо, 1954-1955«Алжирские женщины».
Автор: Пабло ПикассоДата создания: 1954-1955 г.Где находится: Частная коллекция Хамада бен Джасима бен Джабера Аль Тани, Доха (Катар).Стиль: Кубический абстракционизм.
“Femmes d'Alger dans leur appartement” – полотно Делакруа, вдохновившее Пикассо на целую серию одноименных рисунков, в которых испанец выражал свой восторг и восхищение французским романтиком, хотя использовал множество мотивов и стилистических находок Анри Матисса, своего многолетнего друга-противника-конкурента, лидера движения модернистов-фовистов. Свободное переосмысление темы получилось типично пикассовским кубическим абстракционизмом, в котором каждый зритель способен различить десятки фигур и тысячи образов. К началу 1950-х о о семидесятилетнем классике стали забывать, но цикл из десяти рисунков вернул Пабло в ряды ключевых живописцев и вызвала нешуточный ажиотаж среди коллекционеров. Через вторые-третьи руки нынешним счастливым владельцем “Версии О Алжирских женщин” (последнего по времени создания и самого знаменитого среди рисунков серии) стал катарец Хамад бен Джасим Аль Тани, до 2013-го занимавший пост премьер-министра страны.


2. Девочка с воздушным шаром – Бэнкси, 2006


Девочка с воздушным шаром – Бэнкси, 2006«Девочка с воздушным шаром».
Автор: БэнксиДата создания: 2006 г.Где находится: Частная коллекция в одной из европейских стран.Стиль: Стрит-арт.
По требованию Бэнкси в 2018 "Balloon girl", картину-копию одноименного граффити, переименовали в "Life is in the bin", то есть "Любовь в мусорной корзине". Но главное не этот эпизод авторского вмешательства, а инцидент, произошедший во время аукциона Sotheby's. После объявления о продаже внутри рамы "Balloon girl" активировался встроенный шредер и разрезал проданный лот на куски. Публика пребывала в шоке и ужасе, зато крупный знаток "контемпорари-арт" Пьер Кукджян весьма прозорливо называл инцидент "поворотным моментом в истории концептуального искусства" и позавидовал неизвестному покупателю, забравшему труд Бэнкси в свою коллекцию.



1. Мона Лиза - Леонардо да Винчи, 1503-1519


Мона Лиза - Леонардо да Винчи, 1503-1519«Мона Лиза».
Автор: Леонардо да ВинчиДата создания: 1503-1519 г.Где находится: Лувр, Париж, Франция.Стиль: Высокое Возрождение.
Вне всяких сомнений самая известная картина в истории, которая однажды попала в эпицентр преступления века (Похищение “Джоконды”) и, казалось, была утрачена навсегда. Как сказано выше, “Спаситель” является наиболее дорогим произведением живописи, но если бы “Джоконда” попала на аукцион, то по оценкам специалистов стоимость шедевра легко бы перевалила за миллиард долларов.
Богатый флорентийский купец Франческо дель Джокондо заказал художнику портрет жены Лизы в начале 1503-го, однако работа заняла значительно больше времени, чем предполагал заказчик. Гений Ренессанса одновременно трудился над несколькими проектами, но лицо мадам Джокондо так увлекло Леонардо, что пришлось потратить долгие годы, чтобы произведение достигло подлинного совершенства. В первую очередь поражает улыбка Мона Лизы, которую пытались разгадать на протяжении столетий. Сейчас разгадка найдена : сфумато. Так называется уникальная техника ДаВинчи, экспериментировавшего с тенями, светом, оттенками красок, что выливалось в создание иллюзии трехмерных объектов, фигур и лиц. Улыбка Джоконды формируется именно благодаря технике сфумато, когда зрительский взгляд сразу падает на глаза и губы. Если вы смотрите Джоконде в глаза, то периферическим зрением создается впечатление, что губы раскрываются в тонкой ухмылке, но стоит перевести взгляд вниз и улыбки как ни бывало. Лучше всего убедиться воочию – в Лувре, в зале, где в любой день открытых дверей не протолкнуться от миллиона желающих приобщиться к чуду.
0 комментариев
Статьи по теме